Letzter Bautag! Nachdem am 1. Mai mehrere Kinder den Bauch des von Architekt Fujimori konzipierten Walking Cafés mit Lehm verputzt haben, konnte das Gerüst abgebaut werden.

Mit einem Gabelstapler wurde die Skulptur angehoben. So konnten die Studenten und Zimmerer die vier Füße unter der Skulptur montieren. Keine leichte Arbeit. Nach dem Einsatz von viel Kraft und noch mehr Geduld stand das Walking Café am Ende des Tages im Garten der Jugendstil-Villa. Zum krönenden Abschluss wurde dem ungewöhnlichen Teehaus ein vergoldete Kamin aufgesetzt.

Gute Arbeit am “Tag der Arbeit”, Kinder! Der Zustand des Holz-Bauwerkes am Morgen des sechsten Bautages nach dem Kinder-Workshop vom 1. Mai.

Baulust und Wissbegierde – Studenten bereiten ein Interview mit Architekt Fujimori vor.

      
Nur nicht abbauen. Der Aufbau des Gerüstes erfordert vollen Einsatz.

Ein Gabelstapler eilt zu Hilfe: Beim Montieren der rollenden Füße reicht die Muskelkraft nicht mehr aus.

Einer kriecht durch den Gold-Kamin.

Von Anfang an ein Mehrgenerationenhaus – Der erste Besucher macht sich auf den Weg ins Walking Café.

Der Erfinder ist schon oben: Architekt Fujimori genießt bereits den Blick in den Garten der Villa Stuck.

Was man in einer Woche alles schaffen kann ….

Da steht es nun und wartet auf die große Werkschau von Architekt Terunobo Fujimori. Am 21. Juni ist die Eröffnung. Das Museum Villa Stuck präsentiert die erste umfassende Ausstellung seines Werkes in Deutschland. Zu den Höhepunkten der Schau gehört das begehbare Walking Café. Das in seiner »intimen Bauweise« typische Teehaus eröffnet einen geschützten Raum wie einst die Villa des Künstlerfürsten.

Um das „Walking Café“ später auf seine Füße zu stellen, musste heute die Hälfte des Gerüsts abgebaut werden. Heute wurde in der Höhe am Kamin gearbeitet, Abtropfbleche an Fenster montiert und Hanfseile um die Ansätze der Füße gewickelt. Am Schluss noch ein paar Impressionen des Innenraums. Der Cafékessel steht schon bereit!

Nach drei Tagen Übung ging das Schindeln schon viel schneller. Heute wurde die komplette Deckung angebracht. Die Verkleidung am Einstieg des „Walking Cafés“ konnte auch fertiggestellt werden. Professor Musso und Professor Fujimori waren beide auf der Baustelle anwesend. Mittags konnten sich dann alle mit einem Weißwurstfrühstück kräftigen. Vor allem Professor Fujimori war davon begeistert.

Heute ergaben sich bei den Arbeiten einige Detailfragen, die man aber durch Gespräche, Diskussionen und Zeichnungen schnell löste. Es konnte auch mit dem neuen Material weitergearbeitet werden.

Die Unterkonstruktion für den Lehmverputz wurde fertiggestellt und die Schindelverkleidung bis zur Hälfte fortgeführt. Bei dem guten Wetter haben sich einige fleißige Helfer einen Sonnenbrand geholt.

Mit viel besserem Wetter als am Vortag konnte zügig weitergearbeitet werden. Das Walking Café steht auf Baumstämmen und Rädern in luftiger Höhe.

Die Räder wurden mit Kupferblech und Schindeln verkleidet. Professor Fujimori fiel an dem Tag auf, dass die Menschen in Deutschland viel größer sind als in Japan. Die Leiter, die schon am Vortag begonnen wurde, konnte fertiggestellt werden. Die Arbeiten am Kamin und an der Verkleidung wurden fortgeführt. Leider ging gegen Arbeitsende einiges Material aus, das aber bis zum nächsten Tag geliefert wird. Am Abend sprach der Architekt über sein Werk und es konnten Fragen an ihn gestellt werden.

Beitrag von Theresa Ludwig.

Nachdem sich am Montag alle am Bau des Walking Café beteiligten bekannt gemacht haben, konnte am Dienstag mit dem gemeinsamen Bau begonnen worden. Grundgerüst wurde von der Firma Schmid aus Trostberg schon im Vorfeld angefertigt. Schnell hat man sich in Teams aus Studenten und Zimmerern zusammengefunden.

Herr Weigl, Ausbilder der Zimmerer konnte anschaulich die verschiedenen Aufgaben erklären. Verständigungsschwierigkeiten mit Professor Fujimoro gab es glücklicherweise nicht, da einer der Studenten japanisch beherrscht. Begonnen wurde mit der Verkleidung des Volumens. Zum einen das Anbringen von Schindeln und Kupferblech zum andern wurde eine Schilfunterkonstruktion für den Lehmschlag befestigt. Eine weitere Arbeit ist das Anpassen des abnehmbaren Kamins auf dem Dach des Volumens. Durch stetige Kooperation mit Herrn Fujimoro werden Probleme gelöst und direkt am Objekt entworfen. Es stellte sich schnell heraus, dass es Unterschiede zwischen Deutschland und Japan in Arbeitsweise, Material und Werkzeug gibt. Trotzdem klappte die Zusammenarbeit einwandfrei.

Beitrag von Theresa Ludwig.

Der Höhepunkt der Werkschau des Architekten Terunobu Fujimori wird eine architektonische Skulptur für den Garten der Villa Stuck sein. Inspiration für die Skulptur fand der Architekt unter anderem in dem Gemälde „Das Schlaraffenland“ von Pieter Bruegel (Alte Pinakothek).

Das eiförmige Volumen steht auf vier Baumstämmen, ist begehbar und auch fahrbar. Über eine Leiter gelangt man in einen ovalen Raum, indem acht Leute um einen Tisch sitzend gemütlich Café trinken können. In einem einwöchigen Workshop wird das „Walking Café“ in Zusammenarbeit mit Auszubildenden der Zimmerer-Innung München, Studenten der TU München und dem Architekten persönlich gebaut.

Ein schöner Anlass, um unseren Ricochet-Blog zu reaktivieren und ihn gleich mal in Villa-Stuck-Blog umzubenennen. Jeden Tag wird Theresa Ludwig in Bild und Text die Bauphase medial begleiten. Wir sind gespannt.

Mit der Perspektive ist es so eine Sache. Der Begriff ist dehnbar und nur unzulänglich definiert. Er dient zur unterschiedlichen Einordnung von Weltansichten, wird oft und gerne bei komplexen Diskursen zitiert und letztendlich macht er auch vor der Geometrie nicht Halt. Das wusste schon Roger Penrose, ein englischer Mathematiker, der bereits 1958 die “Unendliche Treppe” entdeckte. Nur zwei Jahre später bediente sich der niederländische Maler Maurits Cornelis Escher dieser Technik. Ausgehend vom sogenannten Penrose-Dreieck entwickelte er immer neue Ideen, Verzerrungen, Metamorphosen und Möbiusbänder, die er nicht nur als Gemälde, sondern vor allem in Zeichnungen, Holzschnitten, Holzstichen und Lithografien darstellte. Escher war auf die Möglichkeiten seiner Zeit limitiert. Digitale Medien waren noch nicht erfunden, geschweige denn für den kulturellen Einsatz gedacht.

Bei Martin Mayer und Quirin Empl verhält sich das anders. Das 21. Jahrhundert offeriert den beiden jungen Künstlern eine breite Palette an digitalen Spielzeugen. Mit Lautsprechern, Beamern und Laptop treten sie das Erbe Eschers an. Dabei bedienen sich die Beiden auch auditiven Medien, denn hier liegen zum Teil ihre Wurzeln. Martin Mayer ist auch in der deutschen Visual-Szene unter seinem Pseudonym “sinsynplus” bekannt. Ausgestattet mit dem Diaprojektor vom Flohmarkt, machte Martin seine ersten Erfahrungen in der Welt der visuellen Kunst auf Elektropartys. Wer sich heute als Stammgast des HarryKlein Club betiteln darf, der hat mit Sicherheit schon seine kurzweiligen Kunstwerke an der Clubwand begutachten dürfen. Nach einem kurzen Informatikstudium-Intermezzo lernte er seinen Kunstpartner Quirin auf der Akademie der Bildenden Künste in München kennen. Quirin ist ausgebildeter Fotograf. Dieser Einfluss ist deutlich in seinen Arbeiten erkennbar. Wie ein roter Faden ziehen sich fotografische Elemente durch die Werke des Erdingers.

In ihren jüngsten Werken geht es allerdings um das Zusammenspiel von Tönen, Licht und Raum. Unter dem Label “mayer + empl” konstruieren sie aufwendige, interaktive Rauminstallationen. Bei der Jahresausstellung 2010 der Akademie der Bildenden Künste erregten die Zwei Aufsehen mit ihrer Installation “kleines_k”. Eigens dafür wurden die architektonischen Besonderheiten und baulichen Elemente eines Raumes punktgenau vermessen. Konturen und Ebenen werden durch weiße Lichtlinien nachgezeichnet. Im schwarz abgedunkelten Raum entsteht eine comichafte Blaupause der Örtlichkeit, die den Cineasten unweigerlich an die von Computer generierte Welt von Tron erinnert. Minimalistisch, sauber abgegrenzt und klar definiert. Auf den ersten Blick sind kaum Parallelen zu Eschers Versuchen zur Krümmung des Raumes, zum Brechen physikalischer Gesetze zu erkennen. Jedenfalls bis zu dem Zeitpunkt als plötzlich fragmenthafte Töne, die einem altertümlichen Faxgerät sehr ähneln, aus den Lautsprechern dröhnen. Die Linien beginnen sich zu verzerren, die Musik von Daniel Door gewinnt an Fahrt, weiße und rote Blitze zucken durch den Raum und beeinträchtigen die Stabilität der Lichtkonstruktion. Der Raum zittert, bewegt sich und kurzzeitig verliert der Raum seine Konturen. Er schrumpft in sich zusammen und die sekündlich wechselnden Blaupausen verschmelzen in bedrohliches Daumenkino, in dessen Drehbuch der Ton die Dramaturgie vorgibt. Bis die Geräusche abrupt enden. Die letzten Schwingungen der Lichtlinien erliegen ihrer Trägheit. Die physikalischen Gesetze stellen sich ein. Eine 360 Grad Ansicht des beleuchteten Raumes könnt ihr euch hier ansehen.

Mit dem Projekt “AG” (2011) gehen die beiden Künstler einen Schritt weiter. Wiederum steht der Raum im Vordergrund. Mit einem computergesteuerten Lichtraster, das auf die reale Architektur des Raumes projiziert wird, erwecken sie die Wände der Installation zum Leben. Mit Hilfe eines Mikrofons tritt der Besucher in einen  direkten Dialog mit dem Raum. Die vom Betrachter erzeugten Nebengeräusche irritieren die Dekonstruktion des Gebildes. Der Computer wertet die Geräusche als Störfaktor, der, laut der Kuratorin Sabine Schmid, “die digitale Zeichnung in Bewegung versetzt und den Raum schließlich zum sensiblen Organismus deklariert.” Konkreter gesagt, der Betrachter hilft sich selbst, sein eigenes Sehsystem, durch optische Täuschung zu betrügen. Die Quadrate des Rasters ändern Größe und Fließrichtung, dadurch suggerieren sie eine Dreidimensionalität der Wände, als würden sich kleine Wandhügel auftürmen und horizontal durch den Raum fließen, wiederum nach dem Diktat der beschallenden Musik.

Wer sich gerne mal vor Ort selbst täuschen will, der bekommt nun bald wieder die Gelegenheit dazu. Die Villa Stuck lädt am 8. Juli ab 19 Uhr in ihren Künstlergarten. Als Highlight, im Rahmen der Veranstaltungsreihe RICOCHET, werden Martin Mayer und Quirin Empl eine ihrer Installationen präsentieren.

Foto: VS, 2011, Screen Shot der Simulation für die Villa Stuck
© Martin Mayer und Quirin Empl, Design: normal industries

Ein Film des deutschen Videokünstlers Christian Jankowski darf bei dem Kurzfilmabend von Ahmet Ögüt natürlich nicht fehlen. Sein Werk “The Hunt” hat im Internet schon für viele Lacher gesorgt. Darin sieht man den Künstler in aller Ruhe mit Pfeil und Bogen seine Einkäufe erledigen. Warum Ögüt, der vierte Künstler der Ausstellungsreihe Ricochet, den Film für die Kurzfilmschau im Werkstattkino ausgewählt hat, erfahren wir am Sonntag, den 16. Januar vor Ort im Zündfunk-Gespräch mit Roderich Fabian.

Zweifelsohne ein herrliches Bild, wenn Jankowski in einem Supermarkt Joghurtbecher, Brot, ein tief gefrorenes Hähnchen und Lätta-Margerine mit Pfeil und Bogen erlegt, um sich davon eine Woche zu ernähren.

Nur origineller Nonsens? Nein, meint Kritikerin Claudia Ihlefeld. Sie schreibt über Jankowski in einer Rezension über seine Schau in Stuttgart vor zwei Jahren:

“

Christian Jankowski untersucht Grenzen der Kunst, globale Vermarktungsstrategien, die Rolle, die Politik und Wirtschaft dabei erfüllen. Und er provoziert mit seinen Maskeraden und fragt, ob nicht doch unsere allgegenwärtige Bild- und Medienwelt nichts als Entertainment ist

.”

Mehr über den Künstler, der lange in New York gelebt hat, findet man hier bei Wikipedia. und hier auf der Seite der Lisson Gallery.

Der Film ist einer von elf Streifen, die am 16. Januar im Werkstattkino gezeigt und besprochen werden.

The Recent History of Daily Utopias
Organized by Ahmet Ögüt in collaboration with Museum Villa Stuck
January 16, 2011
Werkstattkino, Munich

Screening order of the films:

John Smith, Girl Chewing Gum, 12 min., 1976

Fernando Sánchez Castillo, Pegasus’ Dance, 2008

Christian Jankowski, The Hunt, 1:11 minutes, 1992/1997

Kuang-Yu Tsui, Eighteen Copper Guardians in Shao-Lin Temple and Penetration: The Perceptive, 2001

Jakup Ferri, Three Virgins, 6’39’’, 2003

Constant Dullaart, Garbage, 1’3’’, 2004

Matthias Wermke, Die neonorangene Kuh, 5’48’’, 2005

Lucia Nimcova, Exercise, 5.52 min., 2007

Francisco Camacho, Visit to the Louvre, 6 min. 47 sec. 2006

Sašo Sedlacek, Beggar Robot, 2007

Servet Kocyigit, Die For, 6’24”, 2003

Sonntag, 16.1.2011, 20 Uhr
Der Abend wird moderiert von Roderich Fabian (ZÜNDFUNK) und Verena Hein, Kuratorin.
In Zusammenarbeit mit dem Werkstattkino und ZÜNDFUNK, dem Szenemagazin auf Bayern 2
6 Euro
Werkstattkino, Munich
Fraunhoferstr. 9
089 2607250

Wenn Ahmet Öğüt am 16. Januar zu einem Kurzfilmabend lädt, hat er auch einen Film des britischen Regisseurs John Smith dabei. In “A Girl Chewing Gum” filmt Smith eine Straßenszene in East London. Eine böse Vorahnung der real existierenden Reality-TV-Palette.

Das sagen die Kritiker:

A humorous treatment depicting the director’s wish for total control over the world in front of his lens. GIRL CHEWING GUM was filmed on an East London street in 1976. John Smith’s idea was to expose the illusion of cinema, making us aware that we are looking at something that is completely contrived – an ambition in total opposition to that of mainstream Hollywood Cinema. Since 1972 he has made over thirty film, video and installation works.

So sieht das aus:

The Recent History of Daily Utopias
Organized by Ahmet Ögüt in collaboration with Museum Villa Stuck
16.1.2011, 20 Uhr
Der Abend wird moderiert von Roderich Fabian (ZÜNDFUNK) und Verena Hein, Kuratorin.

6 Euro
Werkstattkino, Munich
Fraunhoferstr. 9
089 2607250

Ahmet Ögüt zeigt am 16. Januar im Rahmen der Ricochet-Ausstellung “Wherever I Go I See Your Shadow Behind Me” im Werkstattkino seine liebsten Kurzfilme. Ein ironischer Zugang zum Alltag mit Leidenschaft zur fiktionalisierten Realität steht im Vordergund der Auswahl, die der türkische Künstler unter dem Motto “The Recent History of Daily Utopias” zusammen gestellt hat. Wir stellen schon jetzt einige Filme vorab auf unserem Blog vor.

Das Foto stammt aus dem Kurzfilm “Beggar Robot” von Sašo Sedlacek. Der slowenische Künstler hat im Jahr 2006 in Taiwan einen bettelnden Roboter aufgestellt, den er aus alter Computerhardware zusammengebaut hatte. Wenn der Mensch über all durch Maschinen ersetzt werden kann, warum dann nicht auch beim Betteln. Roboterisierung mal anders.

Einen Film über das Konzept des “Beggar Robots” haben wir bei Youtube gefunden:

Ahmte Ögüt über die Auswahl seiner Filme:

“The film program reflects on subverting the symbols and representations that urban life seeks to impose upon us. Each film is based on ironic and poetic gestures. They show that the reality surrounding us is actually a well-constructed fiction and that it’s possible for anyone to intervene it in a creative manner as an ordinary everyday activity. The film program includes films by John Smith, Jakup Ferri, Constant Dullaart, Sašo Sedlacek, Servet Kocyigit, Kuang-Yu Tsui, Matthias Wermke, Francisco Camacho, Lucia Nimcova, Christian Jankowski and Fernando Sánchez Castillo.”

The Recent History of Daily Utopias
Organized by Ahmet Ögüt in collaboration with Museum Villa Stuck
January 16, 2011
Werkstattkino, Munich

Screening order of the films:

John Smith, Girl Chewing Gum, 12 min., 1976

Fernando Sánchez Castillo, Pegasus’ Dance, 2008

Christian Jankowski, The Hunt, 1:11 minutes, 1992/1997

Kuang-Yu Tsui, Eighteen Copper Guardians in Shao-Lin Temple and Penetration: The Perceptive, 2001

Jakup Ferri, Three Virgins, 6’39’’, 2003

Constant Dullaart, Garbage, 1’3’’, 2004

Matthias Wermke, Die neonorangene Kuh, 5’48’’, 2005

Lucia Nimcova, Exercise, 5.52 min., 2007

Francisco Camacho, Visit to the Louvre, 6 min. 47 sec. 2006

Sašo Sedlacek, Beggar Robot, 2007

Servet Kocyigit, Die For, 6’24”, 2003

16.1.2011, 20 Uhr
Der Abend wird moderiert von Roderich Fabian (ZÜNDFUNK) und Verena Hein, Kuratorin.
In Zusammenarbeit mit dem Werkstattkino und ZÜNDFUNK, dem Szenemagazin auf Bayern 2
6 Euro
Werkstattkino, Munich
Fraunhoferstr. 9
089 2607250

Nun ist die Reihe Ricochet komplett. Über die Dauer eines Jahres hat die Villa Stuck insgesamt vier junge Künstler dazu eingeladen, das Haus und die Besucher mit ihrer Kunst zu überraschen, mit den Räumlichkeiten zu experimentieren und mit Gewohnheiten zu brechen. Die vier von der Presse mit großem Applaus begleiteten Ausstellungen wurden vom Kellergeschoss über den Flur bis hinauf in den Dachgiebel errichtet – die letzte Schau – Ahmet Ögül – wird dort oben übrigens nicht vor dem 23. Januar abgebaut. Damit alles bleibt, auch wenn es weg ist, hat das Museum vier inhaltsvolle Kataloge produziert.

Katalog zu »RICOCHET #1«

Die Publikation RICOCHET #1, 343 m/s. Cris Koch enthält Textbeiträge von Martin Heindel und Anne Marr sowie ein Interview von Jochen Flinzer mit Cris Koch.

deutsch/englisch (Übersetzungen: Bram Opstelten)
48 Seiten
Zahlreiche farbige Abbildungen
Softcover, gebunden
ISBN 978-3-86678-389-8
5,00 € im Museumsshop

Katalog zu »RICOCHET #2«

Das zweite Katalog enthält ein intensives Gespräch zwischen Samantha Dietmar und der Kuratorin Sabine Schmid. Dazu die sehr persönliche Bilderwelt der Künstlerin.

Format ca. 21,7 × 28,5 cm
46 Seiten
zahlreichen Abbildungen
Softcover, gebunden
deutsch/englisch
ISBN 978-3-86678-402-4
5,00 € im Museumsshop

Der Katalog: Ricochet #3. Hito Steyerl

Mit Texten von Michael Buhrs und Hito Steyerl
Format ca. 21,7 × 28,5 cm
46 Seiten
zahlreiche Abbildungen
Softcover, gebunden
deutsch / englisch
ISBN 978-3-86678-411-6
5,00 € im Museumsshop

Der Katalog: Ricochet #4. Ahmet Öğüt

Mit einem Vorwort von Michael Buhrs, Beiträgen von Verena Hein und Andreas Spiegl sowie einem Gespräch von Önder Özengi mit Ahmet Öğüt

Format: ca. 21,70 × 28,50 cm
48 Seiten
zahlreichen Abbildungen, Installationsansichten
Softcover, gebunden
deutsch / englisch
ISBN: 978-3-86678-426-0
15,00 € im Museumsshop

Und damit das Quartett vollständig ist, gibt es alle vier Kataloge für nur 25 Euro. Die begehrte Ricochet-Tasche ist inklusive.

Die Weihnachtseinkaufsliste auf einen Blick:

alle 4 Kataloge incl. Tasche = 25,00 Euro,
Kataloge von Cris Koch, Hito Steyerl und Samantha Dietmar incl. Tasche = 15,00 Euro,
einzeln kosten die Kataloge von Cris Koch, Hito Steyerl und Samantha Dietmar jeweils nur 5,00 Euro,
der aktuelle Katalog von Ahmet Öğüt kostet 15,00 Euro,
wer nur die Tragetasche haben möchte, ist mit  2,50 Euro dabei.

Es ist Weihnachtszeit. Männer mit weißen Bärten tragen Säcke, Männer und Frauen schleppen Tüten mit sich herum. Die Villa Stuck schickt pünktlich zum Advent einen eigenen Beutel ins Rennen.

Den kann man sich gleich im Museumsshop mit tollen Kulturpräsenten  auffüllen – wie zum Beispiel mit den vier Katalogen der Reihe Ricochet – , oder auch einfach nur als nützlichen Gütertransport für alle Gelegenheiten in der Jackentasche warm halten.

Beim Kauf eines Ricochet-Katalogs gibt es die Tasche gratis dazu.

Der Museumsshop im Museum Villa Stuck
Prinzregentenstraße 60
81675 München
Tel. +49 (0)89-45 55 51-67

Warum steht im Museum Villa Stuck ein Reisepass? Ja gut, wir wissen, es gibt jetzt einen digitalen Reisepass – aber ist das lila Büchlein deshalb schon museumsreif? Das Werk heißt On the Road to Other Lands (2008). Im Format eines deutschen Reisepasses birgt das Buch ein Sammelsurium privater Devotionalien, von Fotografien bis hin zu Geldscheinen aus verschiedenen Ländern, ebenso wie die Werbeslogans der Bundesdruckerei, auf deren Papier es gedruckt wurde – »Legalität für alle Länder«.

In On the Road to Other Lands zeigt sich nicht nur der Wunsch nach einer komplexeren und persönlicheren Definition von Identität als jener, die staatlichen Behörden zu eigen ist, sondern auch das Modell von Öğüts künstlerischer Intervention.

Die ästhetischen Manipulationen des falschen »Passes« bringen die normierende Wirkung staatlicher Papierprodukte sowie nicht eingelöste Versprechen der Autoritäten ans Licht. Ahmet Öğüt betreibt die Offenlegung der Strukturen aus den Objekten selbst heraus, von innen, in dem er einen den »chronischen Strukturen« selbst innewohnenden Sinn oder eine Möglichkeit hervorkitzelt: das Implizite wird explizit.

Die meist anekdotenhafte Form von Öğüt’s reger Bildproduktion bewahrt den ausgebildeten Maler vor dem Abdriften in erneute Einseitigkeit und Ausschließlichkeit. Das Künstlerbuch Today in History (2007) versammelt Zeitungsartikel, deren Skurrilität die Mythen einer linearen Modernisierung in der Türkei in Zweifel ziehen, etwa den eines Mannes, der in jahrelanger Heimarbeit selbst einen Ferrari gezimmert hatte, den er aufgrund der Straßenverkehrsordnung dann nicht fahren durfte.

Öğüt nützt Scheitern und Unvollständigkeit, um jenem Teils des Charakters sozialer Phänomene auf den Grund zu gehen, der als Fiktion, nicht als Realität gilt. Mit Humor und Ironie bringt er ihn zurück an die Oberfläche. Die Irritationen, die seine Werke hervorrufen, helfen nicht nur bei der Neujustierung des Blicks, sondern auch bei der Überwindung der Traumata, die die moderne Einseitigkeit hervorruft. Der eigenen Erinnerung kommt dabei eine entscheidende Rolle zu.

Ahmet Öğüt ist der festen Überzeugung, dass Kunst mit Erfahrung beginnt. Diese gibt er an die Besucher weiter. Der Künstler steht nicht nur in jener Tradition des Museums Villa Stuck, die sich urbanen Diskussionen und Entwürfen widmet, von Bodys Isek Kingelez Extremen Modellen im Jahr 2002 bis hin zu vielfältigen Reflexionen über das Verhältnis von Architektur und Avantgarde.

Er steht auch in der Tradition des Hausherren selbst. Auch durch das Werk von Ahmet Öğüt ziehen sich Elemente und Verbindungsglieder, Spuren und Pfade, die sich erschließen lassen, fast wie ein Rätsel oder ein Spiel. Im Gegensatz zu Franz von Stuck ist das Ziel aber nicht die Perfektion. Im Herzen des Gesamtkunstwerkes von Ahmet Öğüt steht sein eigenes Programm – Mut zur Lücke!

mucbook durfte kurz vor der Eröffnung einen Rundgang mit Ahmet Öğüt machen und kann schon mal verraten, da kommt eine Ausstellung mit Erlebniswert. Viel Gesprächsstoff für die Vernissage am Mittwoch. Der Zündfunk bittet zum Artist-Talk.

Lücken in den Archiven füllt er mit eigenen Recherchen. Geschriebene Geschichte reichert er mit eigenen Texten an und im Internet sucht er nach authentischen Spuren des Alltags, um Vergangenes zu verstehen. Ahmed Öğüt will forschen und verstehen. Und Erkenntnis erreicht man manchmal indem man etwas nicht sieht. In der Villa Stuck macht Ögüt das Licht aus. Der Raum in dem das Bild einer blinden Malerin hängt, ist mit Vorhängen abgedunkelt und schwarz gestrichen. Vor der Tür stehen Taschenlampen für die Besucher. “The Pigeon-like Unease of my Inner Spirit (2009)” zeigt das von einer blinden Malerin gezeichnete Porträt des ermordeten Menschenrechtlers Hrant Dink.

Ein Tappen im Dunkeln, so würde Ögüt wohl auch den Versuch beschreiben, mit Hilfe von konventionellen Geschichtsschreibung die Vergangenheit deuten zu wollen. Den offiziellen Erzählern traut er nicht. In der Türkei lernte er im Geschichtsunterricht viel über das “kraftvolle” Osmanische Reich. Den Niedergang steckte man ganz an das Ende des Lehrplans, so dass “meist keine Zeit mehr dafür blieb”, erzählt er. “Geschichte ist immer eine Geschichte von Siegern”, fasst er seine These über die Konstruktion der Vergangenheit zusammen.

Woran sich der nach Authentizität suchende Öğüt festhält: Klassisches Quellenstudium. “Ich bin ein Forscher”, sagt der 1981 im kurdischen Teil der Türkei geborene Künstler und zeigt auf die Collage aus Adlern – es die Staatswappen Albaniens, Moldawiens, und Palästinas. Die Bundesdruckerei druckt Geldscheine und Pässe für all diese Staaten, sagt Öğüt. Er schuf für sein Werk “On the Road to other Lands” einen neuartigen Reisepass mit Raubkatze statt Adler. In dem Mash-Up zeigt sich der Wunsch nach einer komplexeren Definition von Identität als ihn die staatlichen Behörden zulassen.

Unbekanntes, kurioses und verstörendes aus dem Suppentopf der Geschichte spießt der international gefeierte Wahl-Holländer in der an wahre aber abseitige Ereignisse erinnernde Jahrhundertchronik “Today in History” auf, um es in Museen zu präsentieren. Geschichten von Hausfrauen, Hochstaplern und Bürokraten.

Eines seiner spektakulärsten Werke ist gelb, schwimmt und trägt den Namen “Ocean Wave”. Die Zuschauer sehen im Dachgeschoß der Villa einen Film über die Performance-Aktion “Guppy 13″. Monatelang, so erzählt Öğüt, habe er das Boot dieser Bauart gesucht. Denn nur 300 Stück waren 1974 in den USA gebaut worden, bevor der Künstler und Utopist Bas Jan Ader damit bei einer Weltumseglung für immer in den Wellen des Atlantiks verschwand.

In der Villa Stuck sieht der Besucher auf Großleinwand wie das Boot rückwärts durch eine Fluß in Holland schippert. Passanten steigen ein, schnuppern für ein paar Minuten Atlantik-Überquerungs-Luft. “Living History” rückwärts gedreht. Kuriose Ideen wie diese sind typisch für den Künstler, der sich wohlfühlt auf dem schmalen Grad zwischen Klamauk und Kunst.

Sein berühmtestes Werk – “Exploded City” – wurde im türkischen Pavillon auf der Biennale in Venedig erstmals gezeigt. Ein Ort des Grauens, sauber und liebevoll gestaltet in der Tradition architektonischer Utopien. Die Modellsiedelung zeigt ein Anschlagsziele der vergangenen 20 Jahre. Öğüt recherchierte exakt und bildete die Modelle als Wolkenkratzer, Moschee und Spielzeugauto naturgetreu nach. Eine Spielzeugstadt des Terrors. Aber auch ein Denkmal für das zum Alltag gewordene zivile Massenmorden. Im ironischen Spiegel enthüllt Öğüt die Topografie des Terrors und zugleich die zerstörerische Gewalt von Utopien. Ein Werk, das im obersten Stockwerk der Villa Stuck einen idealen Raum besetzt hat und die Monströsität des Terrors auf einen handlichen Maßstab reduziert.

Die Ausstellung wird am Mittwoch um 18 Uhr mit einem Artist-Talk eröffnet. Auf dem Podium unterhalten sich Zündfunk-Moderator Roderick Fabian und Ahmet Ögüt.

Artist`s Talk: Mittwoch, 10. November, 18.00 Uhr, Museum Villa Stuck, Eintritt frei
Ahmet Öğüt im Gespräch mit Roderich Fabian (ZÜNDFUNK)
Im Anschluss Eröffnung der Ausstellung sowie Musik von Tom Kretschmer (ZÜNDFUNK)

Ahmet Öğüt ist der vierte und letzte Künstler in der “Querschläger”-Reihe Ricochet. Seine Installationen, Bilder und Filme setzen sich mit tagesaktuellen Ereignissen, aber auch der eigenen Biografie außeinander. Aber warum zeigt er uns ein Boot, das in die falsche Richtung fährt?

Guppy 13 vs Ocean Wave (2010) ist dem holländischen Konzeptkünstler Bas Jan Ader gewidmet, der seit einer Atlantiküberquerung im Rahmen seiner Performance In Search of the Miraculous (1975) verschollen ist. Der Kurzfilm ist keine Hommage an den verschwundenen Künstler, eher eine Art künstlerischer Heimholung.

Ahmet Öğüt Guppy 13 vs Ocean Wave; a Bas Jan Ader Experience, 2010 Film still, HD video, Single-channel, 6:47 Minuten Produktion: Tolhuistuin, Stichting Cultuur aan het IJ © Courtesy of the artist

Unter dem Namen Guppy 13 läuft ein Boot selben Typs, wie jenes, mit dem Ader verschwand, rückwärts in den Hafen von Amsterdam ein. Auch die Musik läuft rückwärts. Freiwillige konnten Bas Jan Aders Erfahrung als Reise rückwärts mit reduziertem Risiko antreten. Das Boot, eine Replik, die der Künstler in Illinois auftat, wurde gestohlen, ebenso Aders posthum aufgefundenes Original.

Öğüts Erinnerung an das Projekt von Bas Jan Ader in Guppy 13 vs Ocean Wave verschiebt dessen Traum selbst, gemäß der illusionären Devise aus Robert Musils Mann ohne Eigenschaften – »Zurückkehren zu einem Punkt, der vor der falschen Abzweigung liegt!« Einer romantisch inspirierten, modernen wie maßlosen Suche nach dem Erhabenen im Anderswo begegnet der Film mit dem Bild der Heimkehr.

RICOCHET #4
Ahmet Öğüt. Wherever I go I see your shadow behind me
11. November 2010 bis 23. Januar 2011
Eröffnung am Mittwoch, 10. November 2010, 19.00 Uhr

Als vierte Position der Ausstellungsreihe RICOCHET präsentieren wir Arbeiten von Ahmet Öğüt. Mit den Mitteln von Ironie, Humor und Übertreibung, oft jenseits der Grenze zum Absurden, konstruiert er eine eigene Version der Historie, in der kleinen und vielfältigen Geschichten Vorrang zukommt. Hier stellen wir schon mal ein typisches Werk vor.

Ahmet Öğüt Exploded City, 2009 Mischtechnik, Modellbau, 430 x 480 x 160 cm Installationsansicht Berkeley Art Museum, 2010 © Courtesy of the artist

Das Werk des im kurdischen Diyarbakir (Türkei) geborenen Künstlers offenbart die gewalttätige Homogenisierung von kollektivem Gedächtnis und Geografie des Raumes, die ihrer Dynamik innewohnt. Zuletzt waren die Werke des Künstlers in der Kunsthalle Basel 2008, im Türkischen Pavillon der Venedig Biennale 2009 sowie in der Galerie für zeitgenössische Kunst in Leipzig 2010 zu sehen. In Begebenheiten, Symbolen und Ereignissen, die Alltag geworden sind, entdeckt Öğüt jene Dimensionen, die im erhöhten Tempo der Moderne vergessen oder unterschlagen wurden.

Ahmet Öğüt Exploded City (Detail), 2009 Mischtechnik, Modellbau, 430 x 480 x 160 cm © Courtesy of the artist

In den Lücken der grossen Erzählungen findet Öğüt das Potential, aus dem seine Kunst die Kraft zu ihrem eigentlichen Projekt schöpft – die Befreiung der Erinnerung aus den Fängen der komatösen Einseitigkeit eines kollektiven Gedächtnisses.

Seine vielseitige Bildsprache umfasst Zeichnung, Fotografie, Film und Installation, die Auswahl des Mediums entspringt dem zugrunde liegenden Thema. Öğüts Archäologie des Verdrängten unterliegt nicht den vereinheitlichenden Gesetzen wissenschaftlichen Forschens.

Als Künstler ist Öğüt ein Sammler, ein Reisender, der findet und bewahrt. Sein Blick auf die Dinge und ihre Vielfalt ist organisch, er speist sich aus Literatur, Film und Philosophie. In Öğüt Spiel enthüllt sich die Fiktionalität des Realen.

Die Installation Exploded City (2009) ähnelt einer Spielzeugstadt. Tatsächlich ist das Architekturmodell ein globales, dreidimensionales Archiv, das Gebäude wie Fahrzeuge versammelt, die weltweit in den letzten zwei Dekaden Ziel eines Terroranschlages wurden. Im ironischen Spiegel enthüllt Öğüt die Topografie des Terrors, zugleich die zerstörerische Gewalt von Utopien.

Exploded City ordnet sich, als Parodie, wie schon viele Stadtvisionen zuvor, nicht nur ein in die jahrhundertealte Suche nach der “idealen Stadt”, in den unauflöslichen Zusammenhang von Architektur und Utopie. Mit dem begleitenden Text zu Exploded City fügt Ahmet Öğüt den berühmten Miniaturen Italo Calvinos über die Unsichtbaren Städte (1972) ein weiteres Kapitel hinzu:

Exploded City ist eine Stadt, in der an die alten Gesetze nur noch die Fantasie erinnert. Aber auch die Zukunft ist schon Vergangenheit – die Zeit steht still. Exploded City ist das Zerrbild einer urbanen Utopie, durchzogen von einer Melancholie des Innenhaltens, ähnlich jener aus Chris Markers berühmter Sciene-Fiction-Montage La Jetée (1962). Der Hoffnung Anlass gibt allein die Erinnerung. Oder, wie es in den letzten Zeilen von Calvinos Werk heisst:

“suchen und erkennen, zu lernen, wer und was inmitten der Hölle nicht Hölle ist, und ihm Dauer und Raum geben – liegt ihre Hoffnung in Erinnerung und Erkenntnis.”

RICOCHET #4
Ahmet Öğüt. Wherever I go I see your shadow behind me
11. November 2010 bis 23. Januar 2011
Eröffnung am Mittwoch, 10. November 2010, 19.00 Uhr

Es dauert nicht mehr lange. Ricochet #4 steht vor der Tür. Am 11. November ist es soweit. Ahmet Öğüt ist der letzte der vier Künstler in der Ricochet-Reihe

Ein guter Start in das Thema, ein guter Start für die Beschäftigung mit dem Künstler ist seine Homepage, auf die wir hinweisen wollen: www.ahmetogut.com

Hier findet man den Beitrag zu einer interaktiven Installation, die Öğüt gerade in Leipzig zeigt – bevor er dann nach München kommt.

Und bald dann mehr über Ricochet #4 und Ahmet Öğüt hier auf dem Blog.

Screenshot: www.ahmetogut.com

Die Ausstellung von Hito Steyerl ist vorbei – aber viele fragen sich noch immer: Was sollten eigentlich diese bunten Kästen? Es sind digitale Wasserzeichen eines bekannten Internetauktionshauses. Stark vergrößert. Hito Steyerl demontierte sie von Fotos aus dem Zweiten Weltkrieg, die – 1,2,3, meins – zur Versteigerung angeboten wurden. Zum Schutz vor illegalem Download und um besonders grausame Szenen zu verschleiern, wurden die Flächen von den Anbietern hinzugefügt.  Die Künstlerin untersucht damit die Wahrnehmung der Brutalität des Krieges unter den Bedingungen der globalen Kommerzialisierung. Der Autor Martin Pollack widmete sich dem Thema auf seine Weise. Mit einem erschütternden Beitrag für die Neue Züricher Zeitung. Der Beitrag ist im Katalog zur Ausstellung von Hito Steyerl zu finden – und mit freundlicher Genehmigung des Autors auch hier.

Im Internet gibt es einen Markt an historischen Souvenirbildern, der vom Verfall der Scham gegenüber den Opfern des Zweiten Weltkriegs zumal in Osteuropa und von einer neuen Lust am realen Schrecken zeugt. Es steht zu vermuten, dass diese Fotos aus dem Nachlass von
mittlerweile verstorbenen Soldaten der deutschen Wehrmacht stammen.

Vor mir liegen zwei Fotografien, 6×9 cm, die eine im Hoch-, die andere im Querformat. Die Grösse der Bilder lässt auf eine Kleinbildkamera schliessen, wie sie früher gern von Amateurfotografen verwendet wurde, um auf Reisen, bei Familienfesten und anderen denkwürdigen Anlässen Erinnerungsbilder aufzunehmen, die dann sorgfältig in Alben geklebt oder lose, in zufälligen Behältnissen wie Schuhkartons, verwahrt wurden. Auch die beiden Knipserfotos, von denen hier die Rede ist, sind Erinnerungsbilder, allerdings entstanden sie in einem anderen Zusammenhang als die herkömmlichen Schnappschüsse privater Fotografen, die meist ein unschuldiger Blick auszeichnet. Die Fotos wurden, laut Beschreibung auf der Rückseite, im März 1941 aufgenommen, in der Kleinstadt Zamosc im Südosten Polens. Der westliche Teil Polens war seit dem September 1939 von den Deutschen besetzt, ein breiter Streifen im Osten der Sowjetunion, von Zamosc war es nicht weit bis zur Demarkationslinie, die Deutsche und Russen voneinander trennte.

Jüdinnen bei Erdarbeiten

Der Name des Fotografen ist unbekannt, mit grosser Wahrscheinlichkeit war er Angehöriger der deutschen Wehrmacht oder einer anderen Formation. Beide Fotos zeigen jeweils zwei junge Frauen oder Mädchen, die mit Schaufeln in einem Graben stehen. Auf der hochformatigen Aufnahme sieht man, wie das eine Mädchen, es erscheint zart, ja schmächtig, gerade eine Ladung Erde aus der Grube wirft, während die Kollegin in der Arbeit innehält. Vielleicht, weil der Graben so eng ist, dass immer nur eine schaufeln kann? Beide sehen den Fotografen an, der ausserhalb der Grube steht und sie aus dieser überhöhten Position aufnimmt.

Die eine der beiden jungen Frauen ist auch auf dem zweiten Foto zu sehen, mit einer anderen, die etwas älter zu sein scheint. Insgesamt sehen wir auf den beiden Aufnahmen also drei Personen, die Menschen im Hintergrund, ausserhalb der Grube, von denen bloss die Füsse auszumachen sind, nicht mitgerechnet.

Das Foto kann man hier im Internetauftritt der NZZ sehen.

Die Fotografien sind auf der Rückseite beschriftet: «Jüdinnen bei Erdarbeiten, März 1941 in Zamosc» steht da mit Bleistift geschrieben. Tatsächlich trägt das schmächtige Mädchen am rechten Arm, deutlich sichtbar, eine weisse Binde, wie sie laut Erlass vom 23. November 1939 von Hans Frank, Chef des sogenannten Generalgouvernements, alle Juden in den besetzten polnischen Gebieten tragen mussten. Der Davidstern, in der Verordnung «Zionsstern» genannt, auf dem weissen Streifen ist auf der Foto nicht zu erkennen. Die anderen Frauen tragen keine Armbinden, vielleicht haben sie die mit der Oberbekleidung abgelegt.

Als ich die Fotografien zum ersten Mal betrachtete, erschrak ich: Die Ausschachtung, in der die Frauen stehen, hat ungefähr die Ausmasse einer Totengrube – wurden sie aufgenommen, während sie ihr eigenes Grab schaufelten, kurz vor dem Erschiessen? Ihr Gesichtsausdruck widerlegt diese Vermutung, sie wirken nicht verängstigt, scheinen dem Fotografen sogar zuzulächeln. Die Beschreibung auf der Rückseite der Aufnahmen stammt wohl vom Fotografen, der vermutlich in Zamosc stationiert war und die Frauen bei der Zwangsarbeit knipste. Mit Verordnung vom 26. Oktober 1939 wurde für alle im Generalgouvernement ansässigen Juden vom vollendeten 14. bis zum vollendeten 60. Lebens-jahr der Arbeitszwang eingeführt. «Die Juden werden zu diesem Zwecke in Zwangsarbeitertrupps zusammengefasst.»

Der Arbeitszwang galt zunächst für männliche Juden, doch auch Frauen wurden, nach Gutdünken örtlicher Befehlshaber, dafür herangezogen, auch für harte körperliche Arbeit. 1939 hatte Zamosc, im ausgehenden 16. Jahrhundert von italienischen Architekten nach dem Vorbild von Padua erbaut, knapp 30 000 Einwohner, von denen über vierzig Prozent Juden waren. Viele wurden von den Deutschen ab Sommer 1940 in Arbeitslagern in und um Zamosc zusammengetrieben, um Schanzarbeiten zu verrichten. Gut möglich, dass die Frauen, die wir auf den Fotos sehen, Schützengräben ausheben.

Wer die Frauen sind, weiss ich nicht, und das wird sich auch kaum mehr feststellen lassen. Auch über die Beweggründe des Fotografen, die wenig aufregende Szene zu knipsen, lässt sich nur spekulieren. Möglicherweise war er ein Bewacher, und es machte ihm Spass, in sauberer Uniform untätig am Rand der Grube zu stehen und die jungen Frauen, vielleicht gleich alt wie er, zu fotografieren, wie sie schwere, für sie ungewohnte Arbeit verrichteten? Eine Form der Erniedrigung, ein Beweis seiner Macht über die «Jüdinnen», den er im Bild festhält, um sich später, wieder zu Hause, im Kreis seiner Lieben oder am Stammtisch, diesen Moment des Triumphes besser in Erinnerung rufen zu können
und auch die anderen, die nicht dabei waren, daran teilhaben zu lassen.

Vielleicht genoss er es auch, dass ihm die «Jüdinnen», während sie im Dreck schufteten, auch noch zulächelten, obwohl ihre Lage alles andere als angenehm war und sie allen Grund hatten, ihn zu verachten. Doch das durften sie nicht zeigen, denn sie waren vogelfrei, er konnte sie niederschiessen, einfach so, ohne befürchten zu müssen, dafür bestraft zu werden.

Und danach?

Auch über das weitere Schicksal der Frauen können wir nur düstere Mutmassungen anstellen. Anfang 1942 begannen die Deutschen damit, die jüdische Bevölkerung des Bezirkes Zamosc ins nahe Vernichtungslager Belzec zu deportieren. Am 11. April 1942 wurde das Ghetto von Zamosc von Polizei und SS umstellt, rund 3000 Juden wurden in Viehwaggons getrieben und nach Belzec geschickt, Hunderte wurden im Verlauf der Aktion im Ghetto erschossen. Weitere «Aktionen» folgten. Die letzten in Zamosc verbliebenen Juden wurden von den Nazis im März 1943 ermordet. Es ist nicht anzunehmen, dass die drei jungen Frauen diesem Schicksal entgingen.

Überdauert haben nur die Fotografien. Vielleicht in einem Schuh-karton, unter anderen Aufnahmen aus dem Zweiten Weltkrieg. Auf die zwei Fotos bin ich durch Zufall bei Ebay gestossen, sie wurden angeboten von einem kommerziellen Händler, der noch zahlreiche weitere Kriegsfotos im Angebot hat, typische Knipserbilder deutscher Soldaten: vom Einmarsch in Polen, in Russland, in Frankreich, zerstörte Häuser, rauchende Ruinen, Menschen auf der Flucht, Militär-gerät jeglicher Art, Panzer, Geschütze, Flugzeuge, fröhlich in einem Fluss planschende nackte Landser?

Eigentlich war ich auf der Suche nach alten Fotografien aus Galizien, doch dann erregten die Wehrmachtsfotos meine Aufmerksamkeit. Die Vielzahl der angebotenen Bilder, die gezeigten Motive. Die zwei Fotos mit den Zwangsarbeit leistenden jungen jüdischen Frauen wurden mir schliesslich zugeschlagen, für 28 Euro 50. Ich hatte mitgeboten, um herauszufinden, wie diese Auktionen funktionieren und welche Preise für so etwas bezahlt werden. Um das zu erfahren, muss man sich selber als Bieter registrieren lassen.
Aus Schachteln und Schubladen

Es gibt zahlreiche Händler, aber auch Privatpersonen, die Soldatenfotos übers Internet verkaufen, in Deutschland, in Österreich, in den Niederlanden und anderswo. Die bei Internetauktionen garantierte Anonymität spielt dabei sicherlich eine Rolle. Jedenfalls scheint ein riesiger Markt für solche Bilder zu existieren – und ein schier unerschöpfliches Angebot. Dass deutsche Soldaten im Zweiten Weltkrieg massenhaft fotografierten, ist bekannt, doch die meisten Bilder befanden sich bisher im Besitz von Privatpersonen, Nachkommen der ursprünglichen Eigentümer, die oft die Fotografen waren.

Jahrzehntelang wurden die Bilder nicht gern gezeigt, vielleicht aus Scham oder auch aus Angst vor Verfolgung und Strafe. Denn neben Sehenswürdigkeiten und Kameraden, Kriegsgerät und Kriegsschauplätzen knipsten die Landser auch Verbrechen, Szenen der Gewalt und Erniedrigung von Menschen, die sie als «Gegner» betrachteten, voran Juden und Zigeunern. Gerade solche Bilder wurden lange Zeit weggesperrt. Doch nun werden sie hervorgeholt aus Schachteln und Schubladen, werden aus Alben gelöst und zu Geld gemacht. Von den Kindern und Enkelkindern, die keine Strafe mehr befürchten müssen. Und die offenbar auch keine Scham mehr empfinden. Sie waren ja nicht dabei. Sie haben davon nichts gewusst. Sie wissen nur, dass diese Fotografien hohe Preise erzielen, sehr hohe sogar.

Ein Schnappschuss von vier jüdischen Männern, abgerissen gekleidet, an einer Mauer lehnend, angeblich in Lublin, Format 10×7 cm («Juden in Lublin, Polen, orig. WK . 2, guter Zustand» lautet die Bildbeschreibung bei Ebay), wurde vor kurzem für 277 Euro verkauft, eine andere Foto aus derselben Serie, «Juden im Ghetto Lublin», 8,6×6 cm, brachte 158 Euro, obwohl die Aufnahme teilweise unscharf ist und nicht viel mehr zeigt als ein paar Männer, erbärmlich gekleidet, einer, halb von einem Kind verdeckt, trägt eine weisse Armbinde. Auf dem eingescannten Bild hat der Verkäufer eigens einen auf die Armbinde zeigenden Pfeil eingezeichnet, als Beweis, dass wir hier wirklich Juden sehen. Juden im Ghetto, unter der Naziherrschaft. Solche Pfeile findet man auf vielen Fotos, die im Internet angeboten werden.
Nicht nur «jüdische Fotografien» aus der Zeit des Zweiten Weltkrieges erzielen bei Ebay Spitzenpreise. Dasselbe gilt
für Fotos anderer Opfer, voran Roma und Sinti, wobei die oft noch zu Objekten sexueller Schaulust erniedrigt werden, damals wie heute. Diese Interpretation drängt sich auf bei einem Schnappschuss, der eine Gruppe Zigeunermädchen zeigt, mit entblösstem Oberkörper, einige lachen, andere schauen ernst in die Kamera. Wir wissen nicht, warum sie halbnackt sind. Hat ihnen der Fotograf befohlen, sich zu entkleiden? Sollen sie ärztlich untersucht werden, mitten im Freien? «Orig. Foto Zigeuner Mädchen Akt Ungarn» lautet die kryptische Bezeichnung, unter der die Aufnahme im Dezember 2008 versteigert wurde. Auf der Rückseite steht, mit Tinte geschrieben: «Ungarische Zigeuner, April 1941». Die Aufnahme wurde für 251 Euro verkauft. Insgesamt gab es 30 Gebote.

Eine ähnliche Aufnahme, vielleicht vom selben Fotografen, gelangte zehn Tage später zur Versteigerung, diesmal unter der Bezeichnung: «Sinti Roma Zigeuner Balkan Akt!». Auch dieses Bild zeigt Mädchen mit entblösstem Oberkörper,
im Hintergrund ist auch ein Mann in Unterhosen zu sehen, offenbar ein Leidensgenosse. Auf dieser Foto sieht man allerdings nur drei halbnackte Mädchen, was vielleicht den niedrigeren Endpreis erklärt: 201 Euro 60.

Die Texte, unter denen die Bilder bei Ebay angeboten werden, sind entlarvend. Die Verkäufer kennen keine Hemmungen, keine Scham, da herrscht oft ein Ton männerbündlerischer Frauenverachtung. «Zigeuner Frau hängt Brust raus für Zigarette in Sadova» – unter diesem Titel wurde im Dezember ein Schnappschuss versteigert, der eine ältere Frau mit offener Bluse zeigt, eine Zigarette im Mund, umringt von Kindern und Soldaten in deutscher Uniform, die in die Kamera feixen. Sie haben ihre Hetz mit der Frau, die nicht zu wissen scheint, wie ihr geschieht.

Wer sind die Käufer bzw. Sammler solcher Bilder? Öffentliche Sammlungen und Museen kommen dafür kaum in Frage, die können nicht solche Preise für private Schnappschüsse bezahlen. Einzelne Fotografien, aus dem ursprünglichen Zusammenhang gerissen, wie das bei solchen Auktionen in der Regel der Fall ist, sind für historische Sammlungen,
so habe ich mir von Experten sagen lassen, faktisch wertlos. Bleiben private Sammler. Aber was treibt die an, Fotografien von anonymen Menschen zusammenzutragen, von denen sie eigentlich nur wissen oder jedenfalls annehmen können, dass sie kurz nachdem die Aufnahmen entstanden waren, gefoltert, vielleicht ermordet wurden? Macht das den Reiz dieser Bilder aus? Ist das der Kitzel, der die absurden Preise erklärt, die solche Schnappschüsse erzielen? Irgendwie drängt sich der Verdacht auf, dass wir uns hier in einen düsteren Bereich der menschlichen Lust und Begierde vortasten, der vielleicht auch dem Erfolg von Jonathan Littells blutschwangerem SS -Epos zugrunde liegt.

Teil der He rabwürdigung

Die auf den Fotografien gezeigten Juden und Zigeuner konnten sich nicht dagegen wehren, von den Tätern fotografiert zu werden. Sie mussten das, manchmal lächelnd sogar, hinnehmen, das war ein Teil der Herabwürdigung. Doch die Vorstellung, dass nun die Nachkommen der Täter mit diesen Aufnahmen Geschäfte machen, ist beklemmend. Kommt das nicht einer nochmaligen Erniedrigung, ja Verhöhnung der Opfer gleich?

Verbrechen und Greueltaten waren nicht nur im Zweiten Weltkrieg gesuchte Motive uniformierter Fotografen. Einschlägige Bilder gibt es auch aus dem Ersten Weltkrieg, ja aus allen bewaffneten Konflikten, in denen Fotografen zugegen waren, Reporter wie Amateure, die meist aktiv am Geschehen teilnahmen. Solche fotografischen Dokumente kennen wir von den zahllosen blutigen Konflikten in Afrika und Lateinamerika, aus dem Vietnamkrieg, dem Krieg in Tschetschenien, dem Afghanistankrieg, dem Krieg im Irak.

Gibt es für alle diese Fotografien, es müssen zahllose sein, private Sammler, die durchs Internet surfen, stets
auf der Suche nach neuen Bildern von Brutalität und Gemeinheit? Keine angenehme, doch vermutlich eine
realistische Vorstellung.

Martin Pollack
erschienen in NZZ online, 26. Januar 2009

Am vergangenen Mittwoch schrieb Kai Strittmatter in der Süddeutschen Zeitung über Andrea Wolf, Protagonistin in Hito Steyerls Film “November” von 2004 – dieser hat auch die Ausstellung Steyerls in der Villa Stuck mit beeinflusst.

Seit zwölf Jahren will die Mutter der PKK-Kämpferin Andrea Wolf wissen, wie ihre Tochter starb. Vor dem Europäischen Gerichtshof für Menschenrechte hat sie nun einen ersten Erfolg erzielt.

Istanbul – Die junge Frau ist in den Bergen. Im „wilden Kurdistan“, wie sie selbst anmerkt, im Kampf für ein besseres Morgen. Sie ist Deutsche. 20-Stunden-Märsche, Dreck, Ziegenmelken, Brotbacken und Luftangriffe, Langweile, Tagebuchschreiben. „Bei einem Gefecht haben sich sechs Frauen in die Luft gesprengt“, heißt es einmal im Tagebuch. „Als ihnen die Munition ausging, haben sie es vorgezogen zu sterben, als den türkischen Soldaten in die Hände zu fallen. Gequält, gefoltert und vergewaltigt und wahrscheinlich umgebracht zu werden.“ Der Absatz schließt: „Ich würde auch so handeln.“ Einen Monat später treibt der Gedanke sie erneut um. Ob sie die Handgranate zünden würde? Diesmal steht da: „Ich bin mir nicht so sicher.“

Ronahi rufen die anderen sie. Das ist Kurdisch und heißt „Licht“. Es ist ihr Kampfname. Eigentlich heißt sie Andrea, Andrea Wolf, geboren 1965 in München. „Mach dir keine Sorgen“, schreibt sie in ihrem letzten Brief an die Mutter. „Ich werde nächstes Jahr zurückkommen.“ Andrea Wolf ist 33 Jahre alt, als sie am 23. Oktober 1998 türkischen Soldaten in die Hände fällt. In den Bergen unweit des Van-Sees. Eine Großoffensive der Armee gegen die Kurdische Arbeiterpartei PKK. Der PKK-Trupp, mit dem Andrea Wolf marschiert, wird eingekesselt. Am Ende ist Andrea Wolf tot.

Aber wie starb sie? Überlebende PKKler berichteten nach dem Angriff, Andrea Wolf sei den Soldaten gemeinsam mit anderen lebend in die Hände gefallen. Sie sei gefoltert und dann erschossen worden. Das wäre ein Kriegsverbrechen. Die Türkei bestreitet das. Die Türkei zweifelt sogar den Tod an: Der Leichnam der Münchnerin ist bis heute nicht gefunden worden. Die Freunde der Getöteten in Deutschland und Andreas Mutter Lilo Wolf wollten sich damit nie abfinden. All die Jahre arbeiteten sie an einem Ziel: „Die Ermittlungen müssen wieder aufgenommen werden, schließlich war es Mord“, sagt Lilo Wolf: „Das Militär darf nicht straflos ausgehen.“ Rechtsanwalt Jörg Arnold sagt, es gehe darum, „ein Stück Wahrheit zu erzwingen“.

Nun, zwölf Jahre nach dem Tod, haben sie einen erstaunlichen Erfolg errungen. Der Europäische Gerichtshof für Menschenrechte verurteilte die Türkei wegen Verstoßes gegen die Europäische Menschenrechtskonvention im Falle Andrea Wolf. Für die der Mutter zugefügten „seelischen Leiden“ muss die Türkei eine Entschädigung zahlen.

Konkret beanstanden die Straßburger Richter, die Türkei habe „keine adäquate und effektive Untersuchung“ über das Schicksal Andrea Wolfs geführt. Die Justiz habe weder die an dem Gefecht beteiligten Soldaten befragt noch den Leichnam suchen lassen. Wo sie ermittelt habe, habe sie Widersprüche ignoriert und nur die Aussagen berücksichtigt, „die für eine Einstellung des Verfahrens sprächen.“ Das ist eine kaum verhüllte Umschreibung für: Die Türkei hat vertuscht. „Das Urteil ist eine Ohrfeige für den türkischen Staat“, sagt die Münchner Rechtsanwältin Angelika Lex, die die „Internationale Unabhängige Untersuchungskommission“ (IUK) vertritt, eine private Initiative, die seit Jahren die Aufklärung des Falles betreibt. Der Freiburger Anwalt Jörg Arnold, der in Straßburg die Mutter vertreten hat, spricht von einer „Genugtuung“. Aber es ist nur ein Teilerfolg. Für die vorsätzliche Tötung selbst wollte Straßburg die Türkei nicht verurteilen. Es gebe „legitime Verdachtsmomente“ für die Misshandlung und Hinrichtung Andrea Wolfs, aber die vorgelegten Beweise seien nicht „über jeden Zweifel erhaben“.

Die Zeugen. PKK-Kämpfer sind das, die sich in einem Erdloch versteckt hatten und dort lauschten. Die IUK spürte sie auf und befragte sie. „Die Stimme von Genossin Ronahi war voller Angst. Sie hat geschrien. Sie sprach Deutsch. Ich verstand nicht, was sie sagte, aber ihre Stimme war wütend, wie von jemandem, der starke Schmerzen hat“, heißt es in einer Aussage. Und später: „Sie waren von der Folter übel zugerichtet. Ich sah Genossin Ronahi. Sie war in einem fürchterlichen Zustand. Ihr Hals war voller schwarzer Flecken, wie Würgespuren.“ Mehrere Zeugen berichten von Foltermalen. Der Leichnam sei entkleidet und verstümmelt gewesen. Dorfbewohner begruben die Toten später.

Männergewalt. Ein Thema, das Andrea Wolf in Rage brachte. Sie war früh aktiv in der linken Szene. Hausbesetzungen, Proteste gegen die Atompolitik, später Solidaritätsaktionen für RAF-Häftlinge. Zweimal saß sie im Gefängnis, das erste Mal mit 16. Als die dritte Verhaftung drohte wegen angeblicher Teilnahme an dem RAF-Anschlag auf die Justizanstalt Weiterstadt 1993, tauchte sie unter. „Der Vorwurf war absurd“, sagt die Mutter: „Sie war zu dem Zeitpunkt bei mir in Guatemala.“

Das Verfahren wurde eingestellt. Andrea Wolf setzte sich ab, stieß Ende 1996 zur PKK. „Lernen“ wollte sie dort. Über politische Organisation, über die Befreiung der Frau. Mal jubelte sie in ihrem Tagebuch, sie habe sich „noch nie im Leben so aufgehoben gefühlt“, mal klagte sie über Einsamkeit und darüber, wie man im Krieg abstumpft. Von PKK-Chef Abdullah Öcalan träumte sie: „Ich kenne keinen Mann auf dieser Welt, der ernsthaftes Interesse daran hätte, dass Frauen stark werden. Nur ihn.“

Lilo Wolf, die Mutter, lebt seit fast 25 Jahren in Guatemala. Sie sagt, sie behalte ihre Tochter als „starkes Mädchen“ in Erinnerung. Es fällt ihr schwer, sich immer wieder neu mit dem Tod der Tochter zu beschäftigen. „Ein solches Urteil macht meine Tochter nicht wieder lebendig, aber es ist wichtig für die Zukunft.“ Der Menschenrechtler Oskar Schmid, Mitglied der IUK, sagt, es gehe darum, zu verhindern, dass sich Ähnliches wiederhole: „Mögliche Täter sollen denken: Vielleicht passiert dir morgen nichts und in zehn Jahren nichts. Aber vielleicht in 20 Jahren, da wird deine Tat dich einholen. Eine Unverwundbarkeit auf Lebenszeit, die gibt es nicht mehr.“

Und nun? Rechtsanwalt Jörg Arnold hat Kontakt mit der Staatsanwaltschaft in Frankfurt aufgenommen. Die deutsche Justiz soll wieder ermitteln: „Wir werden neue Beweise beibringen.“ Zeugen, die aus Angst um ihr Leben bislang nur anonym aussagten, wollen sich den Gerichten zu erkennen geben. Ziel ist es, über ein Rechtshilfeersuchen Deutschlands auch die türkische Justiz wieder zum Ermitteln zu bringen.

Mutter Lilo Wolf erzählt vom Grab in München, in dem schon der Vater und der Bruder von Andrea Wolf bestattet sind. Sie wartet nach wie vor auf den Tag, an dem die sterblichen Überreste ihrer Tochter gefunden und nach München überführt werden. „Dass ich das abschließen kann.“

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